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20 Oktober 2021

11 Underground Queer Filme Die Dir Wahrscheinlich Entgangen Sind

Alisa Taezhnaya

 Bestimmt hast du Carol und Brokeback Mountain gesehen. Aber das queere Kino ist kein Genre oder eine Beschreibung, mit der wir alle nicht-heterosexuellen Handlungen verallgemeinern - es ist in erster Linie ein Kampf um Ausdruck und Freiheit des Selbst. Die historisch zensierte und untersuchte Sexualität im Kino ist viel mehr als nur ihre bloße Präsenz, wenn es um queere Geschichten geht. Sie ist eine eigenständige Haltung. Alisa Taezhnaya, unsere Filmexpertin, hat 11 unkonventionelle LGBTQ+-Filme ausgewählt, die du dir anschauen solltest.

Gregg Araki’s Vierteiler: The Living End (1992), Totally F***ed Up (1993), The Doom Generation (1995), Nowhere (1997)

Das Beste aus den 90ern - jugendliche Rebellion und irrationales Verlangen

Gregg Arakis Indie-VHS-Ära ist auch 30 Jahre nach seinem Erscheinen ein Klassiker, frisch wie eh und je. Dieses rücksichtslose, alles hassende, bahnbrechende Werk verschiebt Grenzen und sagt uns alles, was wir über junge Menschen zu wissen glaubten. Der Einfluss von Araki ist in fast jeder rebellischen Fernsehserie und jedem Film mit Teenagern von heute deutlich zu erkennen. Der Blick des Regisseurs auf die Geschlechter ist explorativ, und Teenager, die nach einem besseren Leben streben, scheren sich nicht um vermeintliche Grenzen, wenn es um ihre Selbsterkundung geht. Die männlichen Charaktere sind voll geschminkt, und die weiblichen sind hypersexuell gekleidet. Polygamie, sexuelle Freiheit, Hass auf Moral und Langeweile - die Figuren können sein, was immer sie wollen, bis auf eines: das, was Erwachsene von ihnen erwarten. Arakis Werk zeigt, dass hinter unseren Handlungen in der Jugend nicht viel Logik steckt: Wir sind impulsiv und brauchen alles auf einmal. Die Darstellung von Queerness in den Filmen ist nur eine weitere Möglichkeit, die langweiligen Normen der Normalsterblichen in Frage zu stellen.

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Flaming Creatures (1963) Jack Smith

Ein visuelles Experiment der amerikanischen Filmavantgarde - sexuelle Freiheit Jahre vor Woodstock

Jack Smith wurde in den 1930er Jahren geboren und wuchs in Texas auf - nicht gerade der günstigste Ort für queere Filmemacher und Performer -, doch das änderte sich, als er in den 50er Jahren nach New York zog. Seine Wurzeln im Aktionismus sind in Flaming Creatures und Normal Love deutlich sichtbar - nicht-narrative Avantgarde-Filme, in denen uns Dutzende von nackten Körpern gezeigt werden, die in der Pracht antiker saturnalischer Rituale existieren. Smith wurde, wie viele der gegenkulturellen Schöpfer jener Zeit, von der Zensur verfolgt und der Propaganda für Erwachsene und der Demoralisierung potenzieller Zuschauer beschuldigt. Sein Werk machte ihn dennoch zur Legende des amerikanischen Undergrounds, dank seiner völlig einzigartigen Darstellung und seines Verständnisses des menschlichen Körpers und der damit einhergehenden Freiheit. Die Schauspieler konnten sich frei entfalten, eine Handkamera folgte jeder ihrer Bewegungen und hielt die schmutzigsten Details in Nahaufnahmen fest. Normale Liebe, so Smith, ist die einzige Art von Liebe, in der es keine Normen und Grenzen gibt.

Funeral Parade of Roses (1969) Toshio Matsumoto

Oedipus Rex in Tokyo Untergrund Stil

Es gibt nicht viele Dinge, die sich mit der Schönheit und Überschreitung der japanischen Neuen Welle vergleichen lassen: Für die jungen Regisseure der 60er Jahre war das Kino eine der Möglichkeiten, gegen das Establishment, die Globalisierung und die nationale Zensur zu kämpfen. Matsumotos erster Film stammt aus den Tiefen des Tokioter Untergrunds. Die Hauptfiguren sind Transgender, und die Schauplätze des Films sind hauptsächlich Kultclubs, Straßen und Wohnungen. Im Mittelpunkt der Handlung steht eine Dreiecksbeziehung voller Eifersucht und Leidenschaft zwischen dem Clubbesitzer und zwei Transgender-Angestellten. Die Geschichte ist lediglich ein Rahmen für die seltenen pulsierenden Bilder - schließlich lassen sich die freizügigen und sexuell aufgeladenen Filme, die selbst ein halbes Jahrhundert später moderner aussehen als die meisten aktuellen, an einer Hand abzählen. Der eigentliche Protagonist von Funeral Parade ist eine Kamera, die gierig alle Kurven von Körpern in unbequemen Winkeln erfasst, sich im Zentrum jeder wilden Party wiederfindet und zum Vermittler zwischen den Sexualpartnern wird. Frech im besten Sinne - Funeral Parade ist eine visuelle Perle der 60er Jahre.

Portrait of Jason (1967) Shirley Clarke

Ein kühnes und hartes Porträt eines schwulen Abzockers im Stil des Cinéma-vérité

Regisseurin Shirley Clarke und ihr Freund Carl Lee schlossen sich einen Tag lang in einem Zimmer des berüchtigten Chelsea Hotels ein, um das Porträt von Jason zu drehen, das auf Jason Holliday basiert - einem berühmten Underground-Künstler aus Andy Warhols Clique. Der Begründer der Pop Art selbst wollte Jason für sein Projekt zusammen mit Edie Sedgwick fotografieren, aber wie viele andere Ideen von ihm sollte auch diese nicht verwirklicht werden. Die Autobiografie, die Jason Clarke vor der Kamera erzählt und auf ihre provokanten Fragen antwortet, ist die traurige Geschichte eines Mannes, dessen Persönlichkeit seit seiner frühen Kindheit ein Schauspiel ist - eine Notwendigkeit für ihn, um zu überleben und sich von der Masse abzuheben. In Jasons Geständnissen kommen Diskriminierung, Sklaverei und die Ausgrenzung des queeren Umfelds offen zur Sprache. Nur wenige dokumentarische Monologe in der Geschichte des Kinos entlarven die Gesellschaft der Normen und Privilegien so wie Portrait of Jason es tut. Nachdem er ein halbes Jahrhundert lang vor der Öffentlichkeit verborgen war, sieht man Portrait of Jason angesichts der Black-Lives-Matter-Ära und der neuen rechtsextremen Demagogie heute aus einer ganz anderen Perspektive.

Appropriate Behavior - Einfach ungezogen (2014) Desiree Akhavan

Eine tiefgründige Dramödie über eine bisexuelle Frau aus einer iranischen Familie im modernen Amerika

Die Geschichte der bisexuellen Shirin, die in New York unter den Fittichen einer traditionellen Familie lebt, wurde von der Iranerin Desiree Akhavan geschrieben und inszeniert - die zufällig auch die Hauptfigur spielt. Der Konflikt der Heldin basiert auf Akhavans wahrem Leben und berührt das Leben einer offen bisexuellen Frau, mit der Schwierigkeit, stolz auf sich selbst zu sein, zu versuchen, sich in die Moralvorstellungen der Familie einzufügen und in einer Gesellschaft zu leben, die einen immer als "anders" wahrnehmen wird. Die Suche nach Halt in sich selbst wird zum zentralen Thema von Appropriate Behavior, in dem wir auch den Einfluss von Richard Linklater und Lena Dunham erkennen können. Dies ist ein sehr nachvollziehbares und inspirierendes Werk über die Suche nach der Kraft, sich gesellschaftlichen Vorurteilen zu widersetzen und sich selbst und seine Wünsche voll und ganz anzunehmen.

Flesh (1968) Paul Morrissey

One of the precious souvenirs from the Warhol film factory

Paul Morrissey, ein Underground-Regisseur und Mitarbeiter Warhols, drehte eine ganze Trilogie mit dem Star der unangepassten 60er Jahre Joe Dallesandro - wobei Flesh der erste Teil ist. Der Zauber dieses Films geht in der Nacherzählung völlig verloren: Ein junger Stricher streift durch die Straßen von New York, plaudert mit Freunden und hat zufällige sexuelle Begegnungen, für Geld und umsonst. Was in Flesh absolut fesselnd ist, ist die innere Freiheit, die mit der Abwesenheit von Mainstream-Etiketten für die Sexualität der Figuren einhergeht. Morrissey stellt Queerness nicht als exotisch oder anders dar. Die sexuellen Szenen sind ein natürliches Ereignis, das sich in die Gespräche und Treffpunkte in der Stadt einfügt. Sex in der Stadt ist ungeordnet, spontan, manchmal streng mechanisch, nicht auf der Suche nach Anerkennung oder Etikettierung - nur wenige Regisseure können das so darstellen, wie Morrissey es getan hat.

Die bitteren Tränen der Petra von Kant (1972) Rainer Werner Fassbinder

Die vergiftete Liebe einer autoritären Modedesignerin und ihrer Liebhaber

Fassbinders gesamte Filmografie ist eine der Säulen der Queer-Kultur: Der deutsche Independent-Regisseur der Neuen Welle vermied in allen seinen Filmen die Selbstzensur. Die meisten seiner Geschichten handeln von Beziehungen jenseits von Heteronormativität und monogamen Werten. Die bitteren Tränen der Petra von Kant ist ein tiefgründiges psychologisches Drama über Co-Abhängigkeit und emotionale Dominanz, in dem eine Bindung durch den Drang nach Besitz ersetzt wird. Petra von Kant, deren Ehemänner nicht mehr in ihrem Leben sind, die eine erwachsene Tochter großgezogen hat und immer noch um ein gutes Verhältnis zu ihrer Mutter kämpft, lebt mit Marlene zusammen - einer Frau, die sie anbetet. Plötzlich taucht eine junge Frau in ihrem Haus auf, und Petra fühlt sich sofort zu ihr hingezogen. Fassbinder hat in seiner theatralischen Art ein Drama über einen toxischen Narzissten und die Opfer gedreht, die alle in eine höchst ungesunde Dynamik verwickelt werden - und wir sind für die Dauer des Films nur auf ein paar Räume in Petras Haus beschränkt, in denen sich alle Szenen abspielen. Symbolisch gesehen gibt es eine Menge Spiegel neben den Narzissten.

The Duke of Burgundy (2014) Peter Strickland

Ein intimes Drama über eine lesbische Entomologin und ihr Dienstmädchen

Evelyn - eine mucksmäuschen stille Studentin, die bei Professorin Cynthia als Dienstmädchen arbeitet. Cynthia ist auf Insekten spezialisiert ("The Duke of Burgundy" ist der Name eines Schmetterlings). Ihre Anziehungskraft beginnt mit gegenseitiger Beobachtung und Voyeurismus - und nun ein Flash-Forward, und schon ist Evelyn in Cynthias Schlafzimmer und genießt ihre volle Aufmerksamkeit. Strickland zeigt eine Welt ohne Außenstehende - es gibt weder Männer noch andere Frauen im Film -, in der die Leidenschaft alle Stadien vom Kokon bis zum Schmetterling durchläuft und ein Wettstreit der Identitäten auf leisen Sprüchen aufbaut. Es gibt einen Plot-Twist, wie in so ziemlich jedem BDSM-Szenario zu erwarten, aber das ist nicht das Beste an dem Film - alles dreht sich um die verführerischen Bilder und die Hauptfiguren, denn beide sind weit entfernt von stereotypen lesbischen Charakteren.

Fireworks (1947), Scorpio Rising (1963), Lucifer Rising (1972), The Inauguration of the Pleasure Dome (1954) Kenneth Anger

Klassiker der alternativen Mythologie des amerikanischen Avantgarde-Kinos - Okkultismus und Reality Games

Kenneth Anger drehte durchweg queere Filme in einer Zeit, in der man wegen "unkonventioneller" Sexualität im Gefängnis landen konnte - die LGBT+-Community betrachtet ihn daher zu Recht als einen der Begründer der queeren Kunst. Enger wuchs in der Familie des presbyterianischen Pfarrers Anglemeyer auf und interessierte sich als Teenager für das Okkulte, wobei er stark von Aleister Crowley beeinflusst wurde. Seine frühen Arbeiten nahm Kenneth mit einer alten Amateurkamera auf: Provokante, homoerotische Feuerwerke machten ihn in der Underground-Szene recht bekannt. Einer der ersten Betrachter war zufällig der Sexualwissenschaftler Alfred Kinsey, der bis heute der wichtigste Sexualforscher ist. Fireworks spielt mit der Ästhetik von Bikerclubs, Matrosen, Opfern und satanischen Ritualen, und das alles mit großem Humor und erstaunlichem Geschmack - so sind Angers Filme auch 70 Jahre später noch unheimlich und hypnotisierend.

Zwei Freundinnen (1968) Claude Chabrol

Eine ironische Dreiecksbeziehung mit kriminellen Elementen

Der Film ist ein direkter Angriff auf die bürgerlichen Werte, die traditionellen Familien und die kanonische Sexualität, wie es für die Regisseure der französischen Neuen Welle üblich war. Die Dreiecksbeziehung zwischen Jean-Louis Trintignant und zwei bisexuellen Frauen kann nicht wirklich ernst genommen werden: Es handelt sich in erster Linie um einen Genrefilm, gediegen und edel in Tempo und Bildsprache. Zwei Frauen - eine wohlhabende Pariserin und ihre junge Freundin - leben in einer Villa in Saint-Tropez und verbringen ihre Tage gemeinsam in einer ruhigen Umgebung. Doch eines Tages lernt eine junge Geliebte auf einer Party den Architekten Paul kennen - und damit beginnt die Dreiecksbeziehung. Les Biches kann mit den Werken von Alain Robbe-Grillet verglichen werden, einem zeitgenössischen Kollegen von Chabrol, der sich ebenfalls für die Darstellung unkonventioneller Sexualität begeisterte.

Freak Orlando (1981) Ulrike Ottinger

Virginia Woolfs Klassiker der Moderne in der Phantasmagorie der frühen 80er Jahre

Orlando, das wohl wichtigste Buch für die LGBT+-Community, in dem es um die Heldin Orlando geht, die ihre Geschlechtsidentität auslebt, indem sie von einem Mann zu einer Frau wechselt und umgekehrt, hatte das Glück, eine mehr als anständige Verfilmung zu bekommen: Die androgyne Tilda Swinton war gerade durch ihre Rolle in Sally Potter zum Weltstar geworden. Die deutsche Experimentatorin Ulrike Ottinger verfilmt ihren Orlando grenzenlos: Eingefleischte Virginia-Woolf-Fans würden das wahrscheinlich nicht gutheißen. Ottinger erfindet die Geschichte der Menschheit mit verrückten Figuren neu - inspiriert von Tod Brownings Freaks oder Derek Jarmans Jubilee, aber auch von Carrolls Büchern und Jodorowskys Filmografie. Freak Orlando ist ein verblüffender und etwas schwer verdaulicher Film: von verrückten Kostümen über Theatralik und Tanznummern bis hin zu Dutzenden von unverständlichen Figuren in Statistenrollen ist hier alles dabei. Dieser Film aus dem Herzen der Punk-Ära hat keinen Rahmen: Er ist so ungezwungen und gegenkulturell, wie es nur geht.


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