11 films LGBT exceptionnels que tu n'as pas encore vus
Vous avez sûrement regardé Carol et Brokeback Mountain. Mais le cinéma queer n'est pas un genre ou une description que nous utilisons pour généraliser toute intrigue non hétérosexuelle - il s'agit avant tout d'un combat pour l'expression et la liberté personnelle. Historiquement censurée et surveillée, la sexualité au cinéma n'est pas qu'une question de montrer ou ne pas montrer, surtout lorsqu'il s'agit de raconter des histoires queer. Elle est une position en soi. Alisa Taezhnaya, notre experte en cinéma, a sélectionné 11 films LGBTQ+ non conventionnels que vous n'avez pas encore vus.
La Tétralogie de Gregg Araki : The Living End (1992), Totally F***ed Up (1993), The Doom Generation (1995), Nowhere (1997)
Le meilleur des années 90 - rébellion adolescente et désir irrationnel
Le film indé VHS de Gregg Araki est toujours un classique, plus frais que jamais même 30 ans après sa sortie. Cette œuvre révolutionnaire, insouciante et haineuse repousse les limites et nous dit tout ce que nous pensions savoir sur les jeunes. On peut clairement voir l'influence d'Araki dans presque toutes les séries télévisées et tous les films d'aujourd'hui qui font appel à la rébellion des adolescents. Le point de vue du réalisateur sur le genre est exploratoire, et les adolescents en quête d'une vie meilleure se moquent des limites perçues lorsqu'il s'agit de recherche personnelle. Les personnages masculins sont maquillés et les femmes sont habillées de manière hyper sexuelle. Polygamie, liberté sexuelle, haine de la morale et ennui : les personnages peuvent être ce qu'ils veulent, à l'exception d'une chose, ce que les adultes attendent d'eux. L'œuvre d'Araki montre qu'il n'y a pas beaucoup de logique derrière nos actions lorsque nous sommes jeunes : nous sommes impulsifs et avons besoin de tout à la fois. La représentation de l'homosexualité dans les films n'est qu'une autre façon de défier les normes ennuyeuses des simples mortels.
Flaming Creatures (1963) de Jack Smith
Une expérience visuelle de l'avant-garde cinématographique américaine : la liberté sexuelle bien des années avant Woodstock
Jack Smith est né dans les années 30 et a grandi au Texas, qui n'est pas le lieu le plus favorable aux cinéastes et aux artistes homosexuels. Mais les choses ont changé lorsqu'il s'est installé à New York dans les années 50. Ses racines actionnistes sont très visibles dans Flaming Creatures et Normal Love, des films d'avant-garde non narratifs où des dizaines de corps nus nous sont montrés, existant dans la gloire d'antiques rituels saturniens. Smith, comme beaucoup de créateurs de la contre-culture de l'époque, a été suivi de près par la censure et accusé de propagande pour adultes et de démoralisation des spectateurs potentiels. Son œuvre n'en a pas moins fait de lui la légende de l'underground américain, grâce à sa représentation et à sa compréhension tout à fait uniques du corps humain et de la liberté qui l'accompagne. Les acteurs étaient libres d'explorer, avec une caméra manuelle suivant chacun de leurs mouvements et capturant toutes les choses les plus sales dans des angles rapprochés. L'amour normal, selon Smith, est le seul type d'amour où les normes et les limites n'ont pas cours.
Funeral Parade of Roses (1969) de Toshio Matsumoto
Oedipe Roi dans le style Tokyo underground
Peu de choses peuvent être comparées à la beauté et à la transgression de la Nouvelle Vague japonaise : pour les jeunes réalisateurs des années 60, le cinéma était l'un des moyens de lutter contre l'establishment, la mondialisation et la censure nationale. Le premier film de Matsumoto vient des profondeurs de l'underground de Tokyo. Les personnages principaux sont transgenres, et les lieux de tournage sont principalement des clubs cultes, des rues et des appartements. À l'épicentre de l'intrigue se trouve un triangle amoureux plein de jalousie et de passion entre le propriétaire du club et deux employés transgenres. L'histoire n'est qu'un cadre pour les rares images palpitantes. Après tout, les films francs et sexuellement chargés capables de paraître plus modernes que la plupart des films actuels un demi-siècle plus tard se comptent sur les doigts d'une main. Le véritable protagoniste de Funeral Parade est une caméra qui saisit avidement toutes les courbes des corps dans des angles inconfortables, se retrouve au centre de chaque fête sauvage et devient un intermédiaire entre les partenaires sexuels. Effronté dans le bon sens du terme, Funeral Parade est un joyau visuel des années 60.
Portrait of Jason (1967) de Shirley Clarke
Un portrait audacieux et dur d'un escroc gay, dans le style cinéma-vérité
La réalisatrice Shirley Clarke et son petit ami Carl Lee se sont enfermés dans une chambre du célèbre Chelsea Hotel pendant une journée pour tourner le Portrait de Jason, basé sur Jason Holliday - un célèbre artiste underground de la clique d'Andy Warhol. Le fondateur du pop art lui-même avait l'intention de photographier Jason pour son projet avec Edie Sedgwick, mais, comme beaucoup d'autres de ses idées, celle-ci n'était pas destinée à se réaliser. L'autobiographie que Jason raconte à Clarke devant la caméra, en répondant à ses questions provocantes, est la triste histoire d'un homme dont la personnalité est un artifice depuis sa plus tendre enfance - une nécessité pour survivre et se distinguer de la masse. Dans les confessions de Jason, la discrimination, l'esclavage et la marginalisation de l'environnement queer sont évoqués avec franchise. Très peu de monologues documentaires dans l'histoire du cinéma exposent la société des normes et des privilèges comme le fait Portrait of Jason. Après avoir été caché du grand public pendant un demi-siècle, Portrait of Jason apparaît aujourd'hui très différent à la lumière de l'ère Black Lives Matter et de la nouvelle démagogie d'extrême droite.
Appropriate Behavior (2014) de Desiree Akhavan
Une comédie dramatique profonde sur une femme bisexuelle issue d'une famille iranienne dans l'Amérique moderne
L'histoire de Shirin, bisexuelle, qui vit à New York au sein d'une famille traditionnelle, a été écrite et réalisée par l'Iranienne Desiree Akhavan, qui joue également le personnage principal. Le conflit de l'héroïne est basé sur la vie réelle d'Akhavan et aborde le fait d'être une femme ouvertement bisexuelle, la difficulté d'être fière de soi, d'essayer de s'adapter à la morale de sa famille et de vivre dans une société qui vous percevra toujours comme "différente". La recherche de confiance en soi-même devient le thème central d'Appropriate Behavior, où l'on peut également voir l'influence de Richard Linklater et de Lena Dunham. Il s'agit d'une œuvre très attachante et inspirante qui montre comment trouver la force de résister aux préjugés sociaux, en assumant à la fois notre personne et nos désirs.
Flesh (1968) de Paul Morrissey
Un des précieux souvenirs de l'usine de cinéma Warhol
Paul Morrissey, réalisateur underground et collaborateur de Warhol, a tourné une trilogie entière avec la star non-conformiste des années 60 Joe Dallesandro, et Flesh est le premier volet. La magie de ce film est complètement perdue dans la narration : un jeune arnaqueur erre dans les rues de New York, discute avec ses amis et fait des rencontres sexuelles au hasard, pour de l'argent ou gratuitement. Ce qui est absolument captivant dans Flesh, c'est la liberté intérieure qui découle de l'absence d'étiquettes classiques sur la sexualité des personnages. Morrissey ne dépeint pas l'homosexualité comme un phénomène exotique ou différent. Les scènes sexuelles sont naturelles, elles sont intégrées dans le mélange des conversations et des rencontres en ville. Le sexe dans la ville est désordonné, spontané, parfois strictement mécanique, sans chercher l'approbation ou les étiquettes. Très peu de réalisateurs peuvent le faire comme Morrissey l'a fait.
Les larmes amères de Petra von Kant (1972) de Rainer Werner Fassbinder
L'amour empoisonné d'une créatrice de mode autoritaire et de ses amantes
L'ensemble de la filmographie de Fassbinder est l'un des piliers de la culture queer : le réalisateur indépendant allemand de la nouvelle vague a su échapper à l'autocensure dans tous ses films. La plupart de ses histoires traitent de relations en dehors de l'hétéronormativité et des valeurs monogames. Les larmes amères de Petra von Kant est un drame psychologique profond sur la codépendance et la domination émotionnelle, où l'attachement est remplacé par le besoin de possession. Petra von Kant, dont les maris ne sont plus dans sa vie, ayant élevé une fille adulte et luttant toujours pour être en bons termes avec sa mère, vit avec Marlène, une femme qui la vénère. Soudain, une jeune femme apparaît dans leur maison, et Petra ressent tout de suite une attirance indéniable. Fassbinder, à sa manière théâtrale, réalise un drame sur un narcissique toxique et les victimes qui s'entremêlent dans une dynamique hautement malsaine. Et nous ne sommes limités qu'à quelques pièces de la maison de Petra pendant la durée du film, où se déroulent toutes les scènes. Symboliquement, il y a beaucoup de miroirs à côté des narcissiques.
The Duke of Burgundy (2014) de Peter Strickland
Un drame intime sur une entomologiste lesbienne et sa femme de chambre
Evelyn est une étudiante calme comme une souris qui vient travailler comme femme de chambre pour le professeur Cynthia. Cynthia est spécialisée dans les insectes ("Le Duc de Bourgogne" est le nom d'un des papillons). Leur attirance commence par une observation mutuelle et du voyeurisme - et voilà qu'en un clin d'œil, Evelyn se retrouve dans la chambre de Cynthia, bénéficiant de sa plus grande attention. Strickland montre un monde sans étrangers (il n'y a pas d'hommes dans le film, ni d'autres femmes) où la passion passe par toutes les étapes, du cocon au papillon, et où un concours d'identités se construit sur des remarques discrètes. Il y a un rebondissement, comme on peut s'y attendre dans n'importe quel scénario BDSM, mais ce n'est pas le meilleur aspect du film : tout repose sur l'imagerie séduisante et les personnages principaux, qui sont loin d'être des lesbiennes stéréotypées.
Fireworks (1947), Scorpio Rising (1963), Lucifer Rising (1972), The Inauguration of the Pleasure Dome (1954) de Kenneth Anger
Un classique du cinéma d'avant-garde américain sur la mythologie alternative : occultisme et jeux de réalité
Kenneth Anger a tourné sans vergogne des films homosexuels à une époque où une sexualité "non conventionnelle" pouvait vous conduire en prison. La communauté LGBT+ le considère donc à juste titre comme l'un des fondateurs de l'art homosexuel. Kenneth Anger a été élevé dans la famille du prêtre presbytérien Anglemeyer et, à l'adolescence, il s'est intéressé à l'occultisme, fortement influencé par Aleister Crowley. Kenneth a réalisé ses premiers travaux avec un vieil appareil photo amateur : des feux d'artifice provocateurs et homoérotiques qui l'ont rendu assez célèbre dans le milieu underground. L'un de ses premiers spectateurs est le sexologue Alfred Kinsey, le plus grand chercheur en sexologie à ce jour. Fireworks joue sur l'esthétique des clubs de motards, des marins, des sacrifices et des rituels sataniques, tout en conservant un humour et un goût étonnants, de sorte que les films d'Anger restent surnaturels et hypnotisants même 70 ans plus tard.
Les Biches (1968) de Claude Chabrol
Un triangle amoureux ironique avec des éléments criminels
Le film est une attaque directe contre les valeurs bourgeoises, les familles traditionnelles et la sexualité canonique, ce qui était courant pour les réalisateurs de la Nouvelle Vague française. L'intrigue du triangle amoureux qui implique Jean-Louis Trintignant et deux femmes bisexuelles ne peut pas vraiment être prise au sérieux : il s'agit avant tout d'un film de genre, digne et noble dans son rythme et son imagerie. Selon l'intrigue, deux femmes, l'une est une riche Parisienne et l'autre est sa jeune amie, vivent dans une villa à Saint-Tropez, passant leurs journées ensemble dans un environnement serein. Un jour, cependant, la jeune maîtresse rencontre l'architecte Paul lors d'une fête - et c'est ainsi que commence le triangle amoureux. Les Biches peut être suivi par les œuvres d'Alain Robbe-Grillet, collègue contemporain de Chabrol, lui aussi adepte de la mise en scène d'une sexualité non conventionnelle.
Freak Orlando (1981) d’Ulrike Ottinger
Les classiques modernistes de Virginia Woolf dans la fantasmagorie du début des années 80
Orlando, probablement le livre le plus important pour la communauté LGBT+, dont l'héroïne Orlando embrasse la fluidité du genre en passant d'un homme à une femme et vice versa, a eu la chance de bénéficier d'une adaptation cinématographique plus que décente : l'androgyne Tilda Swinton venait de devenir une star mondiale après son rôle dans Sally Potter. L'expérimentatrice allemande Ulrike Ottinger filme son Orlando sans aucune limite, ce qui lui vaudrait probablement la désapprobation des fans dévoués de Virginia Woolf. Ottinger réinvente l'histoire de l'humanité avec des personnages loufoques - inspirés soit par Freaks de Tod Browning, soit par Jubilee de Derek Jarman, soit encore par les livres de Carroll et la filmographie de Jodorowsky. Freak Orlando est un film époustouflant et quelque peu indigeste : des costumes fous aux théâtres, en passant par les numéros de danse et les dizaines de personnages incompréhensibles en figurants, tout y est. Ce film au cœur de l'ère punk n'a pas de cadre : il est aussi informel et contre-culturel que possible.